Autor: Thalía Fuentes Puebla

Feudalismo Moderno—el último álbum de David Blanco licenciado bajo el sello Bis Music—es un CD de rock mayormente, pero con un sentir cubano, como siempre se han caracterizado todas las propuestas fonográficas de este músico. Más de 20 años han pasado desde que David decidió apostar por su propio proyecto musical y no son pocos los lauros que ha merecido.

El videoclip que acompaña al tema homónimo del disco está nominado a los Premios Lucas 2022 en el apartado de Mejor video rock. “Es una canción que habla de cómo la tecnología está dictando la cotidianidad del ser humano y una crítica a esa adicción. Esas formas de vida tan tecnológicas pueden llevar a que las personas sean más controladas. De ahí surge la idea de Feudalismo Moderno”, declaró el guitarrista en una entrevista anterior.

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Ernesto Fundora nació en Lawton, en una de las primeras casas del barrio que tenía un televisor en blanco y negro. Después tuvieron un proyector de ocho milímetros donde veían muchas películas silentes. La sala se convertía en un cine y así, poco a poco, este artista se fue adentrando en el mundo audiovisual.

Cerca de su casa, en el Mónaco, había muchos sitios que proyectaban filmes y también iba a los cines de Centro Habana y La Habana Vieja. “Mi familia se rodeó de un grupo de amigos, intelectuales y creadores que se relacionaban con el mundo de las artes. También, mi generación coincide con una de las grandes eclosiones de la industria cinematográfica, con las cámaras portátiles de cuerda que se expanden con vigorosidad en los años 60”.

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El 29 de noviembre de 2020 —en medio de la cuarentena por la pandemia—Samuel Delgado (compositor e intérprete) y Javier Sampedro (guitarrista, y productor musical) decidieron crear Isla Escarlata, una agrupación, que, aunque defiende al rap, enfoca su línea de creación en la fusión, desde la contemporaneidad, de las sonoridades que forman parte de la tradición latinoamericana.

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“El milagro” es, a criterio de David Blanco, una de las canciones más bonitas del disco Feudalismo Moderno. “Este tercer tema del fonograma habla del amor y la esperanza, con un estilo góspel, la voz casi a capela y el complemento de Vocal Renacer. Esa fusión le otorga tranquilidad; es como comenzar nuevamente. El estilo sonoro te recuerda a la época de los 70’, de Los Beatles y los hippies”.

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La realización audiovisual nunca fue un objetivo que David Cruz se trazase, mucho menos una meta que estuviese persiguiendo. “Me hicieron la propuesta y decidí lanzarme de lleno en ese mundo”, cuenta el artista en entrevista a Lucas.

La apuesta de este talentoso fotógrafo está dando frutos ya que el videoclip “Entaconá”, de Malaka, está nominado a los Premios Lucas 2022 en las categorías de Video del año, Mejor Video de Hip Hop, Mejor Ópera Prima, Mejor Fotografía y Mejor Dirección. En el apartado de fotografía, David Cruz también está nominado por el clip “Silencio” de Luna Manzanares y Omara Portuondo.

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Cristopher Simpson llega a Cantares Habana y saluda Luis César Chacón, a Gabriel Pérez ‘El Cabo’, a Andy García Calaña, a Daniela Valdés y a Jorge Saenz. A la par, inicia el ritmo que gran parte de Cuba conoce luego de la telenovela “Tan lejos y tan cerca”. Los integrantes de Elevación van de un lado a otro del bar, danzan, se toman de la mano. Cristopher canta. El resto sigue los coros. Saltan.

Así comienza el clip de “Tan lejos”, banda sonora original del producto audiovisual que concluyó recientemente y centra su mirada en la etapa pandémica, dirigido por Loisys Inclán y Alberto Luberta.

Este tema versa sobre al amor como el elemento que une y el ancla de las personas. “La telenovela trataba de la vida y la muerte, producto a la gran villana de la historia que era la covid-19. Después, las luchas de los diferentes personajes para sobrevivir y mantener las relaciones interpersonales vivas. Y claro, todos los matices que trae consigo. A partir de esas referencias construyó la canción ‘Tan cerca’ que pasó a ser la presentación de la novela. Me inspiré completamente en el título y en su trama principal”, comentó el violinista.

Bajo su propia dirección, el clip contó con el experimentado Yaas Valdés en la fotografía. Este artista del lente logró crear una mini película donde el centro de atención—y los aplausos por supuesto—se los lleva la agrupación. Cada secuencia de los planos es acompañada por la música en una sinergia casi perfecta. Asimismo, los instrumentos pasan a ser los coprotagonistas en la narrativa que mantiene al público expectante durante los casi tres minutos que dura la canción.

En el clip, el maquillaje corrió a cargo de María Karla Fornaris y la foto fija y el making off por Kamila Alarcón. Según Cristopher, cada uno de los participantes aportó un granito de arena para el resultado final del videoclip, que se enriqueció con las buenas vibras y el talento de Yaas Valdés.

La canción es parte del nuevo álbum de la agrupación “Intermezzo”, porque define en su amplia medida el concepto musical y sonoro de su propuesta artística e invita a repensarse el mundo y los contextos sociales.

 “Estamos súper contentos con el resultado de este disco. Es un paso hacia arriba en los escalones de la madurez creativa, con una mayor cohesión. Es un fonograma hecho desde la sinceridad”, asegura Simpson.

Este clip, que ya acumula más de 6 mil vistas en el canal de Youtube oficial de Elevación, es el primero de los que pretenden realizar. Una entrega que el público agradece, así como lo hizo con la telenovela “Tan lejos y tan cerca”.

Como Malaka no hay dos, y aunque la frase parezca cliché o lugar común, está escrita con toda la intención. La artista—valientemente—decidió apostar por el arte en un ambiente hostil para las mujeres como lo es la música urbana. Lo hizo con un sello que no traiciona, siendo ella, la Malaka de los dreadlocks, la que habla sin tapujos de la sexualidad. Ella no se rinde y paso a paso se ha colocado en la preferencia de los amantes de este tipo de música.

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Karel García, su guitarra y el público convergen al ritmo de la trova. Un concierto de este artista es una descarga entre amigos que se dan cita para corear canciones insignes dentro de la tercera generación del Movimiento de la Nueva Trova.

Este artista está consciente de que, en un mundo donde la inmediatez es una máxima de la comunicación, el videoclip es la mejor herramienta para llegar al gran público.

“Lo visual se ha impuesto como estándar de calidad y existe un deformado criterio de asociación de que si el videoclip es bueno, la canción también. Casi nunca es así, pero la imagen vende más que la metáfora y hay que adaptarse al sistema y trabajar con mucho respeto al oído y al cerebro ajenos”, refiere García en entrevista a Lucas.

Su primer clip lo realizó la discográfica Ventilador Music, en Barcelona, con la canción “Palabras quedan”, que está incluida en su disco en solitario Hambre de quimeras, producido por Silvio Rodríguez en sus Estudios Ojalá. “Fue un videoclip muy sencillo en su factura pero que dio, aunque poca, alguna visibilidad a mi trabajo de entonces”.

• ¿Cómo concibe Karel García un video clip?

 “Como una extensión visual de la historia que cuentas o del mensaje que quieres transmitir con una canción”.

• ¿Qué tan importante es que en un producto audiovisual compaginen la imagen, el sonido y el mensaje?

 “No es importante, es esencial. Precisamente, la conjunción de estos tres elementos es lo ideal en un videoclip, aunque pocos realizadores tienen la sensibilidad para descifrar esa conjunción y hallar un camino visual para  reflejarla”.

• ¿Los videoclips de Karel García tienen puntos en común? ¿Cuáles serían?

 “El punto en común es la ausencia de puntos comunes. Prácticamente, todos son diferentes en cuanto a estética, guion y demás aspectos técnicos en su concepción y realización”.

• De todos los clips que ha realizado, ¿cuál es el que más satisfacción le ha dado? ¿Y el qué más trabajo le ha costado?

“Estoy muy satisfecho con el trabajo de Lester Hamlet en el videoclip de ‘Deducciones’, un tema del CD A flor de calle (Trilogía de las flores II). Fue mi primer acercamiento a una producción seria y profesional y aprendí mucho sobre todos los procesos que atraviesa un trabajo de estas características. Además, Lester y su equipo se encargaron de hacerlo muy divertido y así fue más llevadero mi ‘debut’ actoral.

“El videoclip que más trabajo me ha costado creo que está por venir, porque acceder a los recursos y talentos que necesita una producción audiovisual es siempre complicado en cualquier parte del planeta, más aún cuando te dedicas a hacer este tipo de canción tan alejada (por obligación o exclusión, no por deseo) de los cánones del gran mercado”.

• ¿Cuál ha sido su relación con el proyecto Lucas?

“Siempre he seguido el programa y me congratula que exista —y sobreviva— un proyecto de estas características y que dé cabida a todo tipo de géneros y lenguajes. Sin dudas, es un incentivo para cualquier creador saber que puede, a través de Los Lucas, hacer llegar su mensaje al público en general, además de considerar la inclusión en este programa de cualquier trabajo propio como un reconocimiento al mismo”.

• ¿Considera que su trayectoria en el mundo audiovisual ha sido satisfactoria?

“Exceptuando el clip de la canción dedicada a Ernesto Guevara, ningún otro trabajo audiovisual hecho con mis canciones (en versión mía) ha tenido una proyección o repercusión importante en los medios, por lo que considero que estoy empezando a armar una ‘trayectoria en el mundo audiovisual’.  Así que esa evaluación tendré que hacerla unos Lucas más adelante.

“Por lo pronto, cuento con los clips ‘Palabras quedan’ (Ventilador Music), ‘Lo sensible se renueva’ (Ventilador Music), ‘Catorce verbos de junio por Guevara’ (Creart, Mincult, realizado por Ernesto Llerena), ‘Ni poeta ni loco’ (EGREM, realizado por Leonardo Blanco Montes), ‘Todo un carácter’ (EGREM, realizador Leonardo Blanco Montes), ‘Deducciones’ (EGREM, por Lester Hamlet Veira) y ‘Cuba irá’ (EGREM, por Mauricio Figueiral)”.

Karel García confiesa en la entrevista que le gustaría hacer su próximo clip con alguna realizadora, porque no he tenido la suerte de trabajar con ninguna. “Considero (sin demeritar a nadie) que hay un plus de talento y sensibilidad en la mirada femenina que podría maridar perfecto con el tipo de canción que escribo. Ahí dejo la propuesta, por si se animan…”.

J Milo, artista de la Asociación Hermanos Saíz en Pinar del Río, está metido de lleno en la creación artística. Durante el confinamiento por la covid-19, la música fue una válvula de escape y es ahí cuando surge la idea de lanzar su carrera en solitario.

En su música defiende las raíces de la mayor de las Antillas, y su último videoclip, “Cubano asere” es un reflejo de lo que describe como persona y artista a J Milo. “Es una de las canciones que más ha marcado mi carrera hasta hoy, porque fue su creación la que definió la línea de trabajo que iba a seguir; mi propio sello y estilo como artista”, confiesa el músico en entrevista para Lucas.

Si preguntas por qué hacerle un video a “Cubano Asere”, J Milo dice que este tema habla de él como cubano, sus raíces, su cultura y, además, como plus, el tres es el instrumento principal en la sonoridad de la canción.

Según cuenta el artista, inicialmente no tenía presupuesto para hacer este clip. Escribió a la Beca de Creación “El Reino de este Mundo” de la AHS. Aunque no ganó, el proyecto le gustó a la dirección nacional de esta asociación, y decidieron apoyarlo con un presupuesto más bajo. Este monto tardó en llegar y la ayuda vino de Tania Cruz, quien actualmente se encarga de toda la distribución digital de sus canciones.

La realización de este producto audiovisual estuvo a cargo del equipo EGOClip, integrado por los hermanos Joel y Javier Vázquez. “Les gustó la idea y tuvimos una excelente química con el concepto que le queríamos dar al videoclip, basándonos en el guion que fue creado por Irán Capote. Tuve la colaboración también de Piq Montano, el cual filmó todas las escenas de La Habana”, comenta el artista.

Participaron también en la realización Ross Rodríguez, encargada del proceso de maquillaje, making of y vestuario.

“El proceso de grabación duró un mes y medio porque trabajamos línea por línea el guion. Cada una de las locaciones elegidas reflejan nuestra cultura, y sobre todo, mis raíces como pinareño. Fue una experiencia familiar porque participaron mis abuelos paternos y uno de esos lugares en los que grabé fue la vega en donde crecí”, cuenta el joven creador.

-¿Qué efectos visuales apoyan la narrativa de este clip?

“Tratamos siempre que el guion estuviera concatenado con las imágenes, y, a la vez, fueran un reflejo de la letra de este tema. Por ejemplo, cuando hablo de rumba y son, mostramos esos bailes que tanto nos identifican. También, las tomas en el campo muestran las diferentes etapas de la siembra del tabaco y del proceso de creación de la Guayabita del Pinar”.

-¿Qué diferencia a este video de otros de igual género?

“Lo novedoso radica en el reflejo de la letra de la canción en el clip. En el trascurso del video hay una imagen que describe cada palabra escrita y eso ha permitido que el video tenga su particularidad. Es un relato de la cultura cubana desde la más occidental de las provincias”.

“Cubano asere” mezcla la música tradicional cubana con la urbana, y en esa narrativa sobresalen el tres cubano, la percusión y los metales. “Es un reflejo de los bailes, de la forma de vestir, los paisajes, las calles, la gente, en fin, lo que marca a Cuba, más que su propio nombre”.

-¿Cuáles son las expectativas con este producto audiovisual?

“Ser artista significa sensibilidad. Quiero llegar al corazón de cada persona con mi música y contagiarles el alma con alegría. Que se sientan identificados con la canción.  Que llegue a cada cubano, no importa en qué lugar del mundo esté. El cubano es uno solo y su cultura también lo es”.

Abel Geronés siempre propone en su arte un viaje íntimo con el público. Su calidez, las letras perfectamente hilvanadas y  la magia de su música lo han posicionado en el gusto de los amantes de la canción y las sonoridades más contemporáneas.

Ahora repite la fórmula en “Caleidoscopio”, canción que pertenece a su último álbum “Carrusel”, fonograma que propone un recorrido por la trova romántica y otros géneros como la balada, con un estilo más definido y una mayor solidez en los temas realizados.

Según Geronés, la canción surge casi sin pensarlo. “Estaba en la entrega de un premio de poesía para hacer la parte musical y de repente el maestro Fernando Rodríguez Sosa le pregunta al premiado qué cosa era para él la poesía. Me puse a pensar en la respuesta y llegó la idea de que la poesía es un instrumento óptico, un dispositivo que nos ponemos ante los ojos para ver la vida de una manera más linda. Me pareció que era una buena tesis para una canción y a partir de ahí comencé a cocinar lo que después fue ‘Caleidoscopio’”.

Luego llamó a Felo para realizar el videoclip porque quería romper con la imagen que traía anteriormente desde la estética, la música, la visualidad y el diseño. “No soy tan serio o formal como me vendieron en los clips anteriores. Le comenté algunas de mis propuestas y a partir de ahí hicimos una tormenta de ideas. Después, llegó el ojo mágico del fotógrafo David González y llevó el producto a otro nivel”.

El clip de “Caleidoscopio” es minimalista, de hecho, Geronés asegura que desde un inicio se propusieron no complejizar mucho el producto audiovisual. “Cuando se tiene una canción concreta no es recomendable llevártela por la rama de la imagen, ni hacer una historia demasiado elaborada. No debes envolver un mensaje contundente, ni darle tantas vueltas porque se pierde la efectividad”.

En ese empeño el resultado del clip es más performático que narrativo. “Felo convocó a Ana María, bailarina de Malpaso, su rol dentro de la narrativa del clip y el ambiente de luz que se creó en el estudio fue maravilloso. Estoy súper conforme con el camino que tomó este videoclip”.

En cuanto a los efectos visuales, todos los aplausos se los lleva la máquina de lluvia y ese juego con la fotografía. El punto fuerte de este clip —dice Abel Geronés— está en la sensibilidad con la que se trabajó la lluvia, más el plus que otorga la combinación con las luces.

Si indagas por las diferencias de “Caleidoscopio” con otros productos de esta índole, el artista refiere que es casi imposible hacer algo diferente con la globalización y la masificación de las fuentes de información y el acceso a ellas, principalmente en la música.

“No soy un artista que trabaje desde el  criterio de intentar hacer algo diferente. Trato de ser yo sin emular con nadie. Hago la música que me nace y la que va a hacerme explotar sino la canto. Las diferencias en el clip parten de la percepción particular que tiene Felo del mundo y del videoclip. Además, hay canciones, como esta, que te van llevando por un camino, las escuchas y te llega al instante la visualización”.

La relación entre la imagen y el sonido en el producto es bien estrecha y ahí está el secreto de lo lindo que quedó este video—responde a mi siguiente pregunta.  “Felo tiene una sensibilidad increíble. Me sorprendió, a pesar de que había visto varios videos dirigidos por él”, confiesa Geronés.

La principal expectativa del cantautor es que el clip le guste a alguien. “Cuando no sabemos el impacto que tiene nuestra música en la vida de la gente queremos ser famosos. Si llega esa popularidad suprema bien, pero lo importante ahora mismo es que mi música se convierta en parte de la vida del público”.

“Caleidoscopio” es una hermosa danza entre la música y la imagen, hilvanada a través de la lluvia. Es— cómo todo lo que toca Abel Geronés— música convertida en magia.