Categoría: NOTICIAS

Conversando con una joven realizadora audiovisual que reside fuera de Cuba pude entender varias de las dinámicas del artista que emigra. Para nadie es un secreto que las condiciones materiales que atravesamos también afectan la creación, lastran la posibilidad de acceder a recursos, oportunidades, espacios. Mucho más cuando hablamos de carreras cuya concomitancia con varias especialidades constituye uno de los pilares. Necesariamente, el videoclip requiere de equipos de trabajo, seguimiento y monitoreo de redes sociales, retroalimentación, pensamiento de imagen y marketing. En un país con más de 24 horas de apagón, en el cual el tiempo se gasta en la subsistencia, la realidad impide que un artista lleve adelante su mejor versión. Otros horizontes, no obstante, pueden parecer desde lejos ventajosos, pero entrañan dificultades de índole objetiva y subjetiva que impiden el acceso fácil.

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Cimafunk es un artista que ha marcado la rítmica cubana en los últimos años. Su internacionalización rápida, poderosa, colocó éxitos en las listas más exclusivas. La música de este autor se caracteriza por ser una fusión total, en la cual se mezclan los sonidos caribeños con el hip hop y el pop latino. El resultado es una explosión que se transforma en un sello muy propio. “Paciente” nos habla sobre las relaciones sociales, coloca el foco en aquellas personas que transgreden lo normal y viven más allá de los juicios, los frenos. La canción y el videoclip —ya disponibles en las plataformas digitales— están teniendo éxito de público. Este autor hace gala de ser el médico del flow. Una figura que, aunque joven, posee la madurez y las herramientas para poner a bailar a medio mundo. No en balde ya lo ha logrado.

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Let me fall in love, videoclip de Prince Brenny Kieer y dirigido por Usi Fonseca hace una invitación irrechazable: explorar el cuerpo como territorio; laberinto capaz de albergar placer y dolor, amor y odio, luz y oscuridad, risa y llanto, en pares infinitos que nunca terminan sino con la muerte.

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La pasada semana le dediqué, en este espacio de crítica, mis reflexiones a un tema de reparto donde se alude y parodia la música clásica. En cierta medida, la reflexión estuvo motivada por el interés que me mueve en torno al género urbano como fenómeno sociocultural que —a mi entender — merece un acompañamiento y una jerarquización consciente en cuanto al consumo. Uno de los procesos más duros y complejos a lo largo de años de producción audiovisual en Cuba ha sido el del criterio. Se requiere un alto nivel de especialización, aprendizaje y ejercicio. Desde el lamentable deceso de Rufo Caballero hemos necesitado de procedimientos deconstructivos que estén a su altura en cuanto a nivel teórico y capacidad de análisis. Una vasta producción de videoclips no estuvo bajo el escrutinio del Caballero de la crítica. La huella entonces ha sido larga, así como la ausencia de esa sombra bienhechora.

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Un aire de blues suena en los primeros acordes del tema Feudalismo moderno de David Blanco. Luego el tema va mutando, se produce una transición fuerte hacia el rock and roll estilo hard rock. La vestimenta, la aparición de motocicletas, el uso de luces, pantallas encendidas, nos llevan hacia un universo visual que alude al caos, la caída del mundo y el desasosiego. El artista ha manejado en pocos segundos varios registros artísticos que apuntan hacia vectores de sentido de gran fuerza. Por un lado, los referentes culturales del abismo posmoderno, por otro, la estridencia metálica como apoyo desde lo sonoro. El resultado es una poesía distópica.

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El rock es un género musical que ha mantenido por años la estética oscura y la fuerza sonora que lo singulariza. Sus intérpretes lo hacen notar en el vestuario, el maquillaje, los peinados y hasta la gestualidad. Es un género musical de una hibridez tremenda, un amplio género de música popular originado a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que derivó en un gran rango de diferentes estilos a mediados de los años 1960 y posteriores, particularmente en ese país y Reino Unido. Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 50, estilo surgido directamente de géneros como el blues, el rhythm and blues (pertenecientes a la música afroamericana) y el country. También se nutrió fuertemente del blues eléctrico y el folk, además de incorporar elementos del jazz y la música clásica, entre otras fuentes. Al visualizar el videoclip Sueños rotos del rockero cubano-mexicano Korachi Gibert y dirgido por Ernesto Fundora y Josafat Hernández, estrenado en el más reciente programa Lucas, me percato de que el clip hace gala de similar mezcla.

El audiovisual se apoya en los recursos identitarios y estéticos del rock para narrar una historia onírica. Los protagonistas: ella una mujer rubia, de maquillaje gótico, con crucifijos al cuello. Él un encapuchado negro con cadenas en la mano derecha cual fusta para usarse ante la menor amenaza. Al mismo tiempo, el expresionismo y el surrealismo tienen un rol prominente en la narrativa visual propuesta. Resulta sorprendente el conjunto de referencias ideoestéticas que dialogan en esta misma pieza videografica.

Ernesto Fundora, con el apoyo de Josafat Hernández hicieron de la IA una herramienta utilizada con inteligencia y creatividad, sacándole frutos coherentes. Ernesto Fundora Hernández es director de cine (Oviblión, 2007), guionista, realizador de videoclips y escritor. En 1994 terminó la Licenciatura en Dirección de Cine, Radio y TV en el Instituto Superior de Arte de la Habana. Con una amplia trayectoria profesional que incluye el cine, el videoclip y el videoarte ha ganado importantes reconocimientos, entre estos, el Premio “Ases de la crítica periodística” de la Ciudad de New York por el videoclip “Cuba Libre” (1998) del músico Willy Chirino (1998), premio “Mi gente” de la ciudad de Los Ángeles por el videoclip “Hielo y Fuego” (1999) de la artista Olga Tañón, así como una nominación al Grammy Latino de mejor video por “La negra tiene tumbao” (2002) de Celia Cruz. Es autor de varios guiones cinematográficos de largometrajes. Ha publicado los libros de cuentos El perpetuo envés y Animal de barranco. Su poemario Amago fue premiado y publicado por el Instituto Leonés de Cultura en España. Actualmente reside en México.

El intérprete Korachi Gibert tiene un recorrido profesional multifacético y casi desconocido para los cubanos. Es cantante, modelo y atleta de alto rendimiento, de nacionalidad mexicana, nacido en la Habana Cuba (1984). Estudió en la Academia de Música Fermatta (2002 – 2003) y en el Instituto de Música de la Habana (2006). Nutriólogo y Coach certificado por la Federación Mexicana de Acondicionamiento Físico, Fitness y Físico constructivismo Natural (2016), entrena a personalidades de la música y atletas de alto rendimiento. Ha cantado en mas de 10 bandas de varios géneros, principalmente el metal, lo avalan como un gran exponente en la escena underground.

Miembro de la Asociación Nacional De Actores de México (ANDA) desde el 2006, se mueve en el medio del cine, modelaje y comerciales para marcas reconocidas como Bacardi, Movistar, LG, Coca Cola, Calvin Klein, etc, como extra en programas de televisión en TV Azteca “Infarto”, “Historia detrás del mito”, y participando en películas: James Bond 2015 y Welcome to the Jungle 2015.

Volviendo a Sueños rotos, bien podría pensarse este video como una crónica vampírica: tiene todos los ingredientes para serlo. Fotografía, maquillaje, vestuario, efectos especiales y en síntesis, todo lo que concierne a la dirección de arte. Así entregan como resultado una obra con fuerza expresiva, pregnancia fotográfica y una sólida poesía de la imagen. Sangre y violencia, amor y odio convergen en el clip. Todo un mundo de sueños rotos en casi cinco minutos de arte.

La Habana, desde antaño, ha atraído la atención de artistas de distintas expresiones artísticas; desde la literatura, las artes escénicas, la plástica, el cine… la reconocida ciudad de las columnas ha sido protagonista, antagonista, espacio referencial y vivencial de hechos singulares. El videoclip no es la excepción. Sus calles, edificaciones, personajes locales, historias registradas como parte del imaginario popular han servido de centro contextual o, simplemente, asidero para que, ella misma, cuente su historia.

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En las esquinas, los parques, los negocios particulares, los solares de La Habana, los juegos de pelota, las fiestas, incluso en las discusiones de calle; se está oyendo un tema. La música se torna viral a la par que la frase del estribillo asume mil y una situaciones de la cotidianidad. Se resignifican los giros, el tumbao, el ritmo. Un tin está siendo un éxito y no solo de las redes sociales. La gente lo hace suyo, se escuchan cosas como “imagínate, es que tenemos un tin de electricidad”, aludiendo a la situación energética. También ahí el cubano demuestra su ingenio y fuerza, ese impulso que lo lleva al uso del arte del choteo como arma para desacralizar los problemas.

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El videoclip ha evolucionado hacia un fenómeno que aún no se define. Como parte de la búsqueda de la intimidad con los públicos —esa cercanía que se da en las redes sociales— está ocurriendo algo: ya no se intenta siempre un golpe visual. Al contrario, el lenguaje de determinado género, sobre todo las baladas, tiende a ser reflexivo y autorreferencial. Se reproducen los procesos de ensayo, la creación incompleta, la afinación de los instrumentos. Lo que antes estaba detrás de los escenarios reaparece como un making off. Llego a esta reflexión mientras veo el material No lo hagas por mí de Diana Fuentes, Kelvis Ochoa y el maestro Gonzalo Rubalcaba al piano. El tema posee un lirismo extraordinario, una fuerza poética capaz de cambiar la atmósfera desde los primeros acordes. Sin embargo, lo que vemos es un apartamento, posters de artistas por todas las paredes, los músicos ensayando. El blanco y el negro con un ligero trabajo fotográfico que acerca la imagen hacia un tono vintage, nostálgico, como de paraíso perdido.

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