Categoría: NOTICIAS

Ya se acercan otra vez las deliberaciones de los Premios Lucas y hay un conjunto de tendencias que merecen análisis. Sabemos que el evento recoge como un espejo lo que está sucediendo en el mundo de la realización audiovisual y por ende está dotado de fortalezas y debilidades en tal sentido. Cada semana exponemos una lista de lo más popular y se reflejan las líneas de jerarquización en el consumo. No podemos ser ajenos a “lo más pegao”, pero nos va la vida en el proceso de deconstrucción del fenómeno y en la exigencia de que el videoclip como género no muera, ni mute hacia maneras de hacer que lo dejen maniatado. Sin importar el género predominante, lo que la crítica debería tener en cuenta en cada una de las ediciones de Lucas es la calidad. Y con esto último me refiero, por supuesto, a una categoría tan amplia como contradictoria y subjetiva. Lo que “es bueno” depende del ángulo desde donde se mire, de los intereses, de los contextos, del consumo previo, de los aparatos de promoción…

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No hay dudas de que el videoclip posee en su ADN la posibilidad de decir mucho con poco. Es un género híbrido que opera por filtrado de sentido. La elipsis genera ósmosis de significados y contamina el subtexto a partir de un ánimo que, sin ser dicho, se siente como parte del momento de consumo. Recibo exactamente eso cuando escucho el tema “Delirando” de Vicente Trigo. Se trata de una rumba compuesta con lo elemental en dicho género: la voz del cantante, la letra como un rezo, una nostalgia que se sabe construir a sí misma mediante símbolos sonoros y visuales.

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“Mikaela”, pieza musical de Ricardo Leyva y Sur Caribe regresa a la sonoridad de Lucas para colocarse en el Lucasnómetro, ahora a la manera del afrohouse y a dúo con Yomil. El videoclip dirigido por Adrián y Julio Martínez fue grabado en el Hotel Gran Aston de La Habana y demuestra cómo la música urbana es capaz de fusionarse sin contaminar los géneros, puede fundirse armónicamente con otros ritmos si se hace con creatividad.

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Seguramente muchos que me leen habrán estado en uno de esos carnavales de pueblo en los cuales se bebía hasta el amanecer y se bailaba al son de una de las orquestas populares cubanas (Van Van, La Original de Manzanillo, etc). No hablo de los festejos que se realizan desde hace unos años hacia acá, donde, entre precios y falta de fluido eléctrico, prácticamente no se puede disfrutar. Recuerdo de mi infancia y adolescencia ese periodo del año en el cual Remedios se agitaba porque era el aniversario de la villa y todo era alegría. Se colocaban tarimas en los extremos de la plaza, grandes ramas de palmeras en las ventanas, cadenetas de papel de un lado a otro de la calle. Éramos entonces muy humildes, apenas un televisor Caribe de bombillos que debían calentarse para emitir una imagen en blanco y negro, ventiladores marca Órbita, radios traídos del campo socialista con una excelente calidad pero estéticamente feos…Se trataba del mundo cubano de los años 90.

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Foto: tomada de PopMatters

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Fotos: cortesía del entrevistado

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Llevo un tiempo observando cómo, en determinado sector de la producción audiovisual, existe una inquietud por lo distópico. Se reutilizan ambientes abandonados, se vuelve sobre conceptos que perecieron, se reactualizan debates. No es gratuito, acontece a partir de un diálogo del artista con su verdad íntima. Este fenómeno lo he visto tanto en géneros más populares (el reparto) como en otros de un consumo más exclusivo. A veces se trata de manera tangencial, otras oblicua, en elipsis, incluso abiertamente. Todo depende del tono y del estilo del realizador. El uso del espacio urbano reconocible, como lo es La Habana, para tornarlo irreconocible es uno de los puntos en común. La trama citadina se sumerge en el mar, se destruye, muere de muchas maneras y, sin embargo, allí está el arte para cantar, ponerle ritmo, metaforizar.

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El disco Aire de X Alfonso es un recorrido que busca servir de contrapunto conceptual con el presente de Cuba y la humanidad. No me quedan dudas de que, más allá del interés estético por retomar esos clásicos de la canción, pervive una visión de diálogo con una realidad exigente, a ratos distópica y de rasgos deformes. El videoclip que recrea el tema “Sueño con serpientes” es de lo más orwelliano que he visto en los últimos tiempos. La referencia directa a los elementos de la obra literaria 1984 nos conecta con una intencionalidad situada más allá de la música. X se apoya en Silvio para traernos otro Silvio que es a la vez el mismo.

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Canción con todos, un videoclip con guión y dirección de Claudio Peláez Sordo está dedicado a las 40 años de la Asociación Hernanos Saiz (AHS). El tema musical original fue popularizado en la voz de Mercedes Sosa y es parte indisoluble de la cancionística latinoamericana. Esta versión, por su parte, contó con los arreglos del quinteto Cuerdas del alma y la producción musical de Vicente Alejandro Trigo.

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La semiótica del videoclip incluye una dimensión que se desplaza más allá de la literalidad. Me refiero al mensaje dentro del mensaje que, por lo general, está implícito en las obras de arte, pero en los últimos tiempos con la prevalencia del mercado y la implosión de las narrativas de los años 90 se ha impuesto una lógica más simplificadora. Hacer un videoclip es —básicamente— reunir un conjunto de elementos comunes, batirlos y obtener un producto. O al menos, eso es lo que piensa y hace una parte de la industria que se dedica a cultivar el género urbano. Me viene a la mente esta reflexión analizando el reciente tema de Charly y Johayron llamado “En otra vida”. La obra es una balada cuya base melódica se sirve de elementos de fusión provenientes del reparto, pero que alude a los asuntos puntuales del tema amoroso. No dice nada nuevo, no se lo propone. Se ha normalizado que una porción importante de la producción en ese sentido deje de realizar búsquedas y se quede en el estatismo.

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