Categoría: NOTICIAS

La pasada semana le dediqué, en este espacio de crítica, mis reflexiones a un tema de reparto donde se alude y parodia la música clásica. En cierta medida, la reflexión estuvo motivada por el interés que me mueve en torno al género urbano como fenómeno sociocultural que —a mi entender — merece un acompañamiento y una jerarquización consciente en cuanto al consumo. Uno de los procesos más duros y complejos a lo largo de años de producción audiovisual en Cuba ha sido el del criterio. Se requiere un alto nivel de especialización, aprendizaje y ejercicio. Desde el lamentable deceso de Rufo Caballero hemos necesitado de procedimientos deconstructivos que estén a su altura en cuanto a nivel teórico y capacidad de análisis. Una vasta producción de videoclips no estuvo bajo el escrutinio del Caballero de la crítica. La huella entonces ha sido larga, así como la ausencia de esa sombra bienhechora.

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Un aire de blues suena en los primeros acordes del tema Feudalismo moderno de David Blanco. Luego el tema va mutando, se produce una transición fuerte hacia el rock and roll estilo hard rock. La vestimenta, la aparición de motocicletas, el uso de luces, pantallas encendidas, nos llevan hacia un universo visual que alude al caos, la caída del mundo y el desasosiego. El artista ha manejado en pocos segundos varios registros artísticos que apuntan hacia vectores de sentido de gran fuerza. Por un lado, los referentes culturales del abismo posmoderno, por otro, la estridencia metálica como apoyo desde lo sonoro. El resultado es una poesía distópica.

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El rock es un género musical que ha mantenido por años la estética oscura y la fuerza sonora que lo singulariza. Sus intérpretes lo hacen notar en el vestuario, el maquillaje, los peinados y hasta la gestualidad. Es un género musical de una hibridez tremenda, un amplio género de música popular originado a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que derivó en un gran rango de diferentes estilos a mediados de los años 1960 y posteriores, particularmente en ese país y Reino Unido. Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 50, estilo surgido directamente de géneros como el blues, el rhythm and blues (pertenecientes a la música afroamericana) y el country. También se nutrió fuertemente del blues eléctrico y el folk, además de incorporar elementos del jazz y la música clásica, entre otras fuentes. Al visualizar el videoclip Sueños rotos del rockero cubano-mexicano Korachi Gibert y dirgido por Ernesto Fundora y Josafat Hernández, estrenado en el más reciente programa Lucas, me percato de que el clip hace gala de similar mezcla.

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La Habana, desde antaño, ha atraído la atención de artistas de distintas expresiones artísticas; desde la literatura, las artes escénicas, la plástica, el cine… la reconocida ciudad de las columnas ha sido protagonista, antagonista, espacio referencial y vivencial de hechos singulares. El videoclip no es la excepción. Sus calles, edificaciones, personajes locales, historias registradas como parte del imaginario popular han servido de centro contextual o, simplemente, asidero para que, ella misma, cuente su historia.

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En las esquinas, los parques, los negocios particulares, los solares de La Habana, los juegos de pelota, las fiestas, incluso en las discusiones de calle; se está oyendo un tema. La música se torna viral a la par que la frase del estribillo asume mil y una situaciones de la cotidianidad. Se resignifican los giros, el tumbao, el ritmo. Un tin está siendo un éxito y no solo de las redes sociales. La gente lo hace suyo, se escuchan cosas como “imagínate, es que tenemos un tin de electricidad”, aludiendo a la situación energética. También ahí el cubano demuestra su ingenio y fuerza, ese impulso que lo lleva al uso del arte del choteo como arma para desacralizar los problemas.

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El videoclip ha evolucionado hacia un fenómeno que aún no se define. Como parte de la búsqueda de la intimidad con los públicos —esa cercanía que se da en las redes sociales— está ocurriendo algo: ya no se intenta siempre un golpe visual. Al contrario, el lenguaje de determinado género, sobre todo las baladas, tiende a ser reflexivo y autorreferencial. Se reproducen los procesos de ensayo, la creación incompleta, la afinación de los instrumentos. Lo que antes estaba detrás de los escenarios reaparece como un making off. Llego a esta reflexión mientras veo el material No lo hagas por mí de Diana Fuentes, Kelvis Ochoa y el maestro Gonzalo Rubalcaba al piano. El tema posee un lirismo extraordinario, una fuerza poética capaz de cambiar la atmósfera desde los primeros acordes. Sin embargo, lo que vemos es un apartamento, posters de artistas por todas las paredes, los músicos ensayando. El blanco y el negro con un ligero trabajo fotográfico que acerca la imagen hacia un tono vintage, nostálgico, como de paraíso perdido.

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El video, filmado entre el 6 y el 11 de abril de 2026, comienza con escenas callejeras de La Habana en audio real. Se oyen pregones, el ruido de los carros viejos, niños. Luego el arpegio de la guitarra tocada por Silvio Rodríguez. Entonces Chico Buarque canta: “Sueño con serpientes, con serpientes de mar…” La canción discurre en paralelo con los fotogramas realistas: el tráfico, esquinas, peatones, calles llenas de baches, edificios que aparentan caerse, rostros apurados. Es la crisis cubana. La pieza audiovisual nos trae hasta el presente —y por ende reactualiza— un discurso que no ha muerto, sino que posee un anclaje especial entre nosotros y genera conexiones novísimas. Este clásico de la canción que cuando se compuso aludía mágicamente a un grupo de metáforas; tiene una esencia líquida, capaz de adaptarse a los tiempos. Sonó entonces de una manera y ahora de otra. Todo de la mano de dos grandes maestros de la música que se han unido en tiempos duros. Quizás el arte sirva para restañar las heridas y darnos un bálsamo. De ser así, ya sería suficiente en una era en la cual todo pareciera confuso, distópico, caído.

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“Todo se me da”, dirigido por Yaas Valdés y Victor Lefebre es el más reciente videoclip de Melanie Santiler, estrenado en el programa Lucas el pasado domingo 17 de mayo. La propuesta, grabada totalmente en estudio, acude a los códigos visuales de las modelos de revistas para articular un discurso donde la cantante es protagonista. Desde los códigos gráficos que se utilizan en clip (título, viñetas, animaciones gráficas, vestuario y atresos) hasta el color rojo que predomina en el audiovisual, dan cuenta de la intención por comunicar desde la estética de las revistas de moda o de celebridades.

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Alejo Stivel y Silvio Rodríguez nos regalan una obra de lujo. En ocasiones hay que detenerse, consumir el arte y quedar en silencio porque todo está dicho. Sin embargo, toca a la crítica reseñar, establecer conclusiones, emitir un juicio articulado sobre un discurso estético. “Déjame en paz” es todo lo que se pide de una buena canción llevada al formato audiovisual. Stivel posee una historia como vocalista y fundador de la banda de rock Tequila que fuera un fenómeno en el Madrid de 1977. Sus piezas se convirtieron en himnos generacionales que se enfrentaban a la dictadura argentina, los convencionalismos, la falsa moral. Posee en su haber producciones con Sabina y La Oreja de Van Gogh. Esta propuesta junto al gigante Silvio Rodríguez nos conmueve, porque muestra una faceta del rock que se nos hace cercana, entrañable, humanista. Es el arte llevado a su porción más transparente.

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