Categoría: NOTICIAS

Ever Miranda es un autor multidisciplinar. Su formación básica toma las herramientas del cine, pero ha incursionado en una variedad de proyectos y registros que lo avalan como un realizador que sabe moverse con destreza. Desde el guion de programas de televisión, la publicidad, el reportaje, el documental y los cortos hasta la enseñanza; su currículum nos dice lo mucho que ha bregado en pos del arte. Lo conocí como parte de mi acercamiento crítico a uno de sus videoclips, donde se hace evidente esa voz autoral por encima de la simple literalidad de la canción. Ever Miranda, con gentileza, contestó cada una de las interrogantes que le expuso nuestra revista.

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Extracto: A través del videoclip «Andaba solo» de Alain Pérez y Gilberto Santa Rosa, que está teniendo éxito en las plataformas y las listas de consumo, esta crítica nos propone pensar en el mercado y la industria musical.

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El videoclip «Lo que me toca», de Daryl Regueiro y Wil Campa toma la animación como género para contar una historia de amor, con toques costumbristas y tintes humorísticos.

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He visto el video clip Tornado en La Habana de Aixa Rodríguez Alfonso con la dirección de Ever Miranda. El material, minimalista en sus recursos, pone énfasis en contarnos un suceso con tintes documentales y rescata la historia reciente de Cuba a partir de la alusión a elementos de la cotidianidad. En contraposición con un entorno marcado por la mercadotecnia, el uso de retóricas manidas y discursos en concordancia con la exterioridad del consumo, este video prefiere hacer referencia a lo interno. Su valor, más que la belleza de los planos, la factura de la fotografía o la apuesta por un acercamiento desde la narrativa visual, reside en que no quiere centrarse en lo mismo, sino que viaja en clave de habanera hasta el dolor del arrasamiento y nos recoloca ante interrogantes históricas. No hay una estructura complicada, no se usan símbolos que en su complejidad replanteen la realidad, en lugar de todo eso Tornado en La Habana funciona como una crónica sencilla. El director ha hecho uso de imágenes recopiladas tras el paso del tornado del 27 de enero del 2019, que destruyó una parte de la ciudad y marcó significativamente el inicio de una etapa en la isla.

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Camilo Joaquín Villarroel, más conocido como Milo J., es un jovencísimo artista argentino que está llevando a cabo una obra interesante, de una hondura sensible e intelectual, con propuestas que se salen del marco de lo manido en el consumo. Su más reciente álbum La vida era más corta nos sorprende con visiones filosóficas que pudieran pensarse ajenas o lejanas a alguien de su generación. Allí, me he detenido en el video clip Luciérnagas que realizó en cocreación con Silvio Rodríguez. Este disco está concebido como una muestra coral, en la cual se hacen colaboraciones con varias figuras de la música en el continente a la par que se recorren registros, géneros, aproximaciones. Desde el trap, el folclore argentino, el tango, la música electrónica y urbana; Milo J. nos expone un tejido amplio del ser latinoamericano que no se detiene en los sitios comunes, sino que va hacia historias reales, cercanas, las cuales se narran con los ingredientes de quien posee madurez autoral.

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He visto el video titulado En otra vida como esta de Diana Fuentes que circula en redes sociales y que posee los ingredientes de una balada pop vinculados al registro de un material audiovisual de estos tiempos. Hecho en una sola locación y a partir de recursos minimalistas, se trata de una apuesta por la narrativa romántica que puntualiza en aquellos elementos consabidos dentro del género, a saber: una historia trunca de amor, el sentimiento de nostalgia, la evocación de momentos de plenitud y de quiebre, la imposibilidad del reencuentro. No obstante, la balada se adentra con fuerza interpretativa en el drama y logra una conexión con el público a partir de compartir una experiencia universal. La elección del mismo plano, la reiteración de los movimientos de cámara y quizás el hecho de que no existe un cambio de ambiente —otro aire que haga respirar el material— a ratos nos enmarca en una atmósfera bucólica y reiterada que le resta dinamismo y que nos conduce únicamente a una lectura demasiado literal de lo que se nos plantea. El romanticismo por sí mismo es el núcleo de esta canción, pero quizás el realizador pudo elegir otros recursos que dibujaran una historia más compleja y atractiva a partir de las variaciones intrínsecas del lenguaje audiovisual.

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Lo comercial en el video clip cubano está en un nuevo momento a partir del acceso masivo de los cubanos a las redes sociales y la posibilidad de que los públicos se agenden, en concordancia o no con mecanismos de publicidad y plataformas de promoción, sus propios gustos de consumo. Sin dudas, no es lo mismo esperar una vez por semana a que se trasmita el programa de los éxitos musicales a que entres en cualquier momento a YouTube y visualices un producto. En términos de márketing es un cambio brutal, en términos artísticos ello reconfigura la manera de realizar los lenguajes visuales y musicales, establece nuevos códigos, reafirma otros, anula matrices y reposiciona otras. Esta es la reflexión que me viene a la mente cuando veo el video clip Nadie como tú que es una cocreación de Leoni Torres con Bryan Sánchez. Realizado en locaciones externas, buscando precisamente la frescura y la atmósfera clara del trópico, el material aspira a ser un vehículo para el entretenimiento, con fórmulas comerciales que venden precisamente ese tópico paradisiaco de la música latina que se fusiona y da paso a propuestas agradables al consumo.

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En 1951 Jack Kerouac escribía en su novela On the road (En el camino) la siguiente frase: “La única gente que me interesa es la que está loca, la gente que está loca por vivir, loca por hablar, loca por salvarse, con ganas de todo al mismo tiempo, la gente que nunca bosteza ni habla de lugares comunes, sino que arde, arde como fabulosos cohetes amarillos explotando igual que arañas entre las estrellas”. Dicha obra narra el recorrido por los Estados Unidos de un grupo de poetas de Generación Beat a inicios de los años 50 del siglo XX. El viaje, a pesar de realizarse físicamente a través de las autopistas y de no poseer un destino en específico, recreó la mitología de la traslación hacia dentro, de la búsqueda metafísica. En 1964, otro escritor, Ken Kesey, lideró un recorrido similar junto a más de una decena de artistas de todas las manifestaciones. Hicieron el periplo en autobús, lo pintaron de muchos colores con mangueras de agua, luego sumergieron sus ropas en los ríos y las destiñeron mientras se bañaban o simplemente pasaban el tiempo. Al final, todo terminó con un movimiento contracultural que impactó décadas de arte y de visualidad.  En esa idea del viaje se inspiraron los Beatles, concretamente Paul McCartney, para el álbum Magical Mystery Tour, una iniciativa que recogió el legado de aquel movimiento y que dio pie a grandes clásicos de la música como The fool on the hill.

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